Claudia Lucini

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Neuquén contemporáneo

El proyecto gestado por Oscar Smoljan y curado por Ana María Battistozzi y Matilde Marín, presenta una selección de artistas de la región patagónica. 

Bajo el cielo azul de noviembre, intenso, caliente y seco, bajan las turbulentas aguas del río Neuquén al encuentro de otras tan agitadas como heladas, las del río Limay. Aquí, en esta confluencia, al amparo del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y bajo la curaduría de Ana María Battistozzi y Matilde Marín, naceNeuquén Contemporáneo; un proyecto gestado por Oscar Smoljan, director de la sede patagónica del museo para dar visibilidad a los artistas de la región.

Neuquén y el Alto Valle es una tierra de pioneros llegados de distintos rincones del país decididos a construir su propio porvenir. Esta identidad patagónica se trasluce en cada uno de los cuarenta y dos proyectos seleccionados que reúnen lo mejor del arte contemporáneo regional y abarcan las distintas disciplinas. A través de la pintura, la fotografía, el video, la instalación, la performance, incluso a través de la historieta, los artistas de diferentes generaciones expresan sus preocupaciones existenciales.

Durante todo el mes de noviembre, la moderna sede del Museo, la Sala Saracco, la Fundación Osde, varios espacios públicos y dos importantes bodegas, albergan esta original iniciativa que tiene por objetivo alentar la producción artística patagónica.

Algunos de los proyectos:

Salas del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén

El nostalgia del desarraigo, la preocupación por el paisaje y el devenir son temas recurrentes en las obras exhibidas.

http://www.arte-online.net/Notas/Neuquen_contemporaneo

Pablo Curatella Manes

http://www.buenosaires.gob.ar/areas/cultura/arteargentino/04biografias/curatella.php
http://www.pablo-curatella-manes.com/

León Ferrari

En una entrevista a Télam, el dibujante Miguel Rep se despide del artista plástico y pensador argentino León Ferrari, quien falleció esta madrugada a sus 92 años. Recuerda a su colega y amigo, homenajea al hombre, al artista y al pensador, y repasa una vida que atraviesa la historia argentina.

“El arte sirve, ése es el caso de León, él es el que agita las aguas, él siempre fue un agitador con belleza”, enfatiza el dibujante.

León tuvo “una vida combativa, un arte no complaciente, un pensamiento permanente, tuvo una mirada pícara, un fulgor entre nosotros. Fue también el más grande artista contemporáneo argentino, con una vida larga, dura, llena de pruebas, fracasos, dolor y coronada con justicia, con el reconocimiento nacional e internacional”, expresó Rep a lo largo de la entrevista.

 “León Ferrari es la corporización: su vida, desde que nació hasta que murió, es la historia argentina, la más dolorosa y la puso  en su cuerpo. Pasó por todo tipo de prohibiciones, de aprendizajes artesanos, de estudios universitarios, y por supuesto: coronar con su hijo desaparecido y su exilio en Brasil”, resume Rep.

“Él llevaba todo eso en su cuerpo: desaparición, exilio, muerte, amigos muertos, combate, belleza, pero siempre ganó la belleza y el humor. Se fue un hacedor de luz”.

LEÓN Y EL PODER

“León siempre tuvo una gran conexión con la historia del arte, con el humanismo, con el pensamiento y cuando cuestionó el genocidio con la complicidad con la Iglesia, nunca se bajó, ni siquiera en estos momentos, que la Iglesia vuelve de una manera más pausteurizada. “

“Cuando se enteró que Bergoglio era papa, se sonrió y abrió un champagne irónicamente y dijo por más que uno haga obra, la gente se sigue equivocando, la humanidad es así, hay luz y sombra.”, recuerda.
“En sus últimos tiempos estaba contento con lo que estaba pasando con la argentina y con Sudamérica, se fue con risa, con ironía”, recuerda el dibujante.

“ESCRIBIR ES DIBUJAR”, LEÓN FERRARI Y SU OBRA

“Hubo varios Leones artistas en tanto a lo forma, pero hubo uno único absolutamente fundamental que es León pensador. No hay artista sin pensamiento”, expresó Rep.

 “León son varias cosas, no sólo es el Cristo, ése es su Guernica, pero también es el Nunca Más, las cucarachas en jaulas, los músicos en goma pluma, los jarrones esculturas en cerámicas, es el que traslada textos en su caligrafía tan bella como no hay otra en la historia del arte.”

“No hay otra cosa que sus arabescos, que nos demuestras que todo lo que escribimos día a día no es otra cosa que dibujo, nos demostró que escribir es dibujar”, recuerda con admiración.
http://www.telam.com.ar/notas/201307/26238-rep-recuerda-a-leon-ferrari-el-agitador-de-aguas-y-el-hacedor-de-luz.html

Francis Bacon

ARTE RUPESTRE

FOTO N§1: Bloque grabado con motivos de camélidos del sitio Saladillo in situ.

FOTO N§ 2: Paisaje donde se puede observar la localidad de Cachi en la margen derecha del río Calchaquí.

FOTO N§ 3: Paisaje en zona conocida como Las Pailas (Depto. de Cachi) donde se puede observar el ambiente del Valle.

FOTO N§ 4: Paisaje donde se ubica el sitio Saladillo.

FOTO N§ 5: Bloques grabados en el patio del Museo Arqueológico de Cachi.

FOTO N§ 6: Bloque grabado con motivo figurativo ubicado in situ en la margen izquierda del río Calchaquí.

FOTO N§ 7: Vista del sitio SSal Cac 69 El Diablo, ubicada en la margen derecha del río Calchaquí, en la zona Punta de Agua en la margen derecha de la quebrada de La Florida. (Depto. de Cachi)

FOTO N§ 10: Bloque con todas las caras grabadas del Sitio Buena Vista (Museo). Motivos abstractos.

FOTO N§ 11: Tres cantos rodados con motivos simples, dos antropomorfos (figuaras humanas esquemáticas) y un zoomorfo (camélido esquemático). Sitio Margen Izquierda del Río Calchaquí.

FOTO N§ 12: Bloque del sitio Buenba Vista (Museo) con motivo figurativo compuesto (dos zoomorfos y un escutiforme).

FOTO N§ 13: Tres cantos rodados del sitio Margen Izquierda del Río Calchaquí.1 = cara , 2 = camélidos esquemáticos, 3 = camélido.

FOTO N§ 15: Bloque con motivo serpentiforme del sitio Buena Vista (Museo).

FOTO N§ 16: Bloque el sitio Buena Vista (Museo) con dos caras grabadas. Camélidos esquemáticos y línea sinuosa.

http://www.rupestre.com.ar/articulos/rup07_fotos.htm

Estas fotografías corresponden al trabajo: 
Arte en el Noroeste Argentino. GRABADOS RUPESTRES en el Dpto. de Cachi Salta, 
de Matilde Lanza

Caravaggio y sus seguidores

Diez mil personas ya visitaron “Caravaggio y sus seguidores”

Cerca de 10 mil visitantes apreciaron la muestra “Caravaggio y sus seguidores” durante la primera semana de exhibición en el Museo Nacional de Bellas Artes, donde se presentan siete óleos de este pintor italiano, precursor del Barroco del siglo XVII.

Florencia Galesio, curadora del museo, opinó que “es un orgullo para el país tener por primera vez una exposición de este tipo, con entrada libre y gratuita y en una institución pública”.

En cuanto a las características de la obra, la curadora explicó que “la gran innovación de Caravaggio consistió en tomar como modelos a gente común y no pintar figuras idealizadas, tan típicas del período anterior renacentista”, así como, desde el punto de vista técnico se destacan “la luz puntual y las líneas curvas que dan movimiento a las obras”.

“Caravaggio fue el gran renovador de la pintura del siglo XVII”, sintetizó Galesio, quien añadió que la muestra se completa con 15 óleos de pintores contemporáneos influenciados por Caravaggio y que puede visitarse hasta el 15 de diciembre en Libertador 1473.

Descripción:

www.mnba.org.ar
5288-9918

La muestra tendrá lugar en el Pabellón de exposiciones temporarias.
Consultar continuidad.

http://www.recoleta.com.ar/evento/caravaggio-y-sus-seguidores

Édouard Manet

(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.

Almuerzo sobre la hierba, de Manet

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.

Olympia, de Manet

En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.

A pesar de ello, en 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/manet.htm

Emilio Pettoruti

La FUNDACION PETTORUTI fue creada en Buenos Aires, el 21 de Octubre de 1987 con el fin de aportar al desarrollo de la cultura argentina, principalmente en el campo de las artes plásticas, y a su comunicación e intercambio con las de América Latina y el resto del mundo.  Si bien su objetivo primario es el de promover la difusión de la obra del eximio pintor Emilio Pettoruti (1892-1971), las metas generales de la Institución alcanzan al vasto y rico patrimonio del arte argentino, pero también al de su literatura, su música, su teatro y su cinematografía, concientes como lo son sus autoridades y animadores de la indisociable interrelación de todas las manifestaciones estéticas del país y de ellas con la de las demás naciones. Las actividades realizadas en todos estos años, de las que aquí damos cuenta en forma somera, deben verse, pues, a la luz de los cometidos trazados en 1987, y dentro de la suma de esfuerzos particulares que, con los auspicios del Estado y la contribución de las empresas, acuden día a día al mayor desenvolvimiento de las artes y las letras de la Argentina. Esfuerzos que la FUNDACION PETTORUTI se enorgullece, por cierto, de prestar, al servicio de la cultura es ese lazo que enaltece al hombre y a las sociedades del hombre.   La Institución fue presentada el 8 de diciembre de 1987, en el Museo Nacional de Bellas Artes, por su secretario entonces, el crítico y teórico Romero Brest. La Fundación Pettoruti tuvo su sede, hasta el 30 de noviembre en Florida 716; a partir de entonces, ocupa sus nuevas instalaciones de Paraguay 794.  SU OBRA

La Fundación Pettoruti cuenta con el archivo personal del artista, el cual se encuentra desarrollado en su totalidad en el CD-Rom Fundación Pettoruti "Colección Maestros de la Pintura". A continuación se detallan las fichas técnicas de cada obra, las cuales se renovarán periódicamente. DINAMICA DEL VIENTO 39 x 58,5 cm. Grafito sobre papel 1915 Colección Museo Nacional de Bellas Artes VALLOMBROSA 33 x 24 cm. Oleo sobre cartón 1916 Colección Fundación Pettoruti SOMBRAS EN LA VENTANA 41.5 x 26cm Oleo sobre madera. 1925 Colección Museo Nacional de Bellas Artes. EL IMPROVISADOR 195 x 140 cm. Oleo sobre tela 1937 Colección Museo Nacional de Bellas Artes. EL MOROCHO MAULA 160 x 62 cm. 1953 Colección Fundación Pettoruti QUIETUDE AU DELA 97 x 162 cm. 1956 Colección Fundación Pettoruti LA GROTTA AZZURRA 97 x 146 cm. Oleo sobre tela 1958 Colección Fundación Pettorutti SERENITE 70 x 180 cm. Oleo sobre tela 1959 Colección Fundación Pettorutti MIDI EN HIVER 146 x 114 cm. Oleo sobre tela 1964 Colección Fundación Pettorutti   EN LA SELVA 116 x 73 cm. Oleo sobre tela 1968 Colección Fundación Pettoruti Fuente:  http://www.pettoruti.com