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jueves, 19 de marzo de 2020

Un episodio de la fiebre amarilla en Buenos Aires



Llamado «el pintor de la Patria» fue un persistente autodidacta hasta que el gobierno le otorgó una beca para formarse en Europa. Gracias a los cuadros de este artista nos sentimos testigos de parte de nuestra historia. Los Treinta y Tres Orientales no volverán a ser nombres sin rostro después de ser inmortalizados por Blanes en una de sus obras mayores. Representante del academicismo europeo, por sus cuadros desfilan gauchos y batallas, hechos y protagonistas. En este caso, la terrible epidemia de fiebre amarilla en Buenos Aires, ha sido plasmada en esta tela de gran formato que es una de las piezas emblemáticas del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.

Gracias al parte policial del Comisario Lisandro Suárez, se sabe que la mujer en el piso era italiana, se llamaba Ana Brisitiani y vivió en un conventillo de la calle Balcarce hasta encontrar su trágico fin el 17 de marzo de 1871. El abogado Dr. Roque Pérez y el médico Dr Manuel Argerich, poco tiempo después de ser pintados por Blanes, serían también víctimas de la enfermedad que combatían.

En esta obra se ve reflejado todo el dramatismo de la escena, un pequeño niño junto a su madre caída sin vida en el suelo de la habitación, los médicos asombrados y conmovidos en la puerta dirigen la mirada a la mujer y su hijo sin percatarse aún que tras la puerta en la semipenumbra de la habitación el padre de la criatura también yace muerto. La luz que se filtra desde la calle se derrama en el punto focal del cuadro que es una obra cúlmine de este autor. Juan Manuel Blanes fue a su modo un reportero de su tiempo.
foto de obra

martes, 9 de julio de 2019

Coronación de Napoleón, Jacques Louis David

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Mantuvo una excelente relación con Robespierre y fue partidario de la Revolución Francesa de 1789; sin embargo sus mayores éxitos se cosecharían durante el reinado de Napoleón y de hecho, el J.L. David se convirtió en una suerte de cronista que representaba los episodios más reseñables de la carrera del emperador.
Así en esta ocasión el artista representala coronación de Napoleón y su esposa Josefina dentro de la Catedral de Notre-Dame. En realidad parece ser que el mismísimo Napoleón Bonaparte encargó la obra a David, un artista que conoció gracias a su esposa y que tenía en altísima estima. El encargo su realizado casi un año antes de la coronación, el artista estuvo in situ en la Catedral de Notre Dame estudiando el templo y los planos además de asistir a la celebración, con todo la obra no empezó a ejecutarse hasta un año después en 1807.
David representó el momento exacto de la coronación, Josefina le rinde tributo al emperador mientras éste se dispone a colocarse la corona. A su alrededor una gran cantidad de dignatarios e importantes figuras eclesiásticas. Tradicionalmente se cuenta que Napoleón arrebató la corona al Papa para colocársela él mismo aunque parece que esto realmente no fue así. El simbolismo de la escena estaría más relacionado con la aceptación del papado al imperio napoleónico al estar presente y la supuesta soberanía nacional al coronarse el mismo como civil.

viernes, 21 de septiembre de 2018

Erik Kessels

Exposición de Erik Kessels
"A través de la digitalización de la fotografía y el crecimiento de se sitios como Flickr o Facebook, todo el mundo ahora saca fotografías y las distribuye compartiéndolas con el resto del mundo. Como resultado, tenemos una incontable cantidad de fotos a nuestra disposición", señala Kessels.
Al imprimir las imágenes, el artista señaló que visualizó "sumergirse en fotografías de la experiencia ajena".
"En su contenido se mezcla lo público y lo privado con cosas altamente personales siendo exhibidas abiertamente sin ninguna timidez".

miércoles, 18 de julio de 2018

Marcelo Pogolotti

Miembro de la primera generación de pintores cubanos. A pesar del poco tiempo de su vida que pudo dedicar a la creación pictórica, su obra tiene un alto significado en el patrimonio de la plástica cubana. 
El óleo Paisaje cubano de 1933 constituye un significativo exponente de las condiciones sociales de la época. Otros cuadros de gran relevancia son El Alba, El Muelle y La Zafra. Padre de la prestigiosa ensayista y destacada intelectual cubana Graziella Pogolotti .
Resultado de imagen para marcelo pogolotti pintor cubano


Obra

Integran la obra de Pogolotti: María del Carmen Quirós de Piedara, La Catedral de La Habana, Agua Marina, Torbellino, Sonia, Los campos magnéticos, Paisaje, Panorama cubano en 1933, Marina, Cortometraje, Joven intelectual, Evocación, Grupo, Alba, Banco industrial.[1]
Archivo:El capitalismo.jpg
Su obra pictórica se sumerge en la temática del obrero y aún cuando no sea el obrero de su país y muestre otro ambiente frío, hombres con abrigos, solitarios, aislados, por caminos sombríos entre fábricas, árboles despoblados de follaje, o como en su obra Encuentro entre dos épocas donde el edificio aparece coloreado con los colores de la bandera norteamericana, como señal de propiedad de dicha fábrica, refleja la soledad del que anda los caminos inciertos en busca de trabajo para subsistir. Para este artista que convivió allí, debió ser una vivencia cotidiana, ya que en varias de estas obras reitera la frialdad, el vacío, el hombre solo en medio de un paisaje donde nada ni nadie lo apoya.

Con la misma “magnífica ironía” que Dios le dio los libros y la noche a Borges, dejó ciego a Marcelo Pogolotti a los 36 años de edad.
El llamado “pintor social” de la vanguardia histórica cubana llegó a la cúspide de su carrera en 1937, y para 1938 había perdido del todo la visión. Así, su paso por las artes plásticas fue efímero, pero lo suficientemente vasto como para convertirlo en un reconocido artista fuera de su país natal.
Después de formarse académicamente entre La Habana, Turín y Nueva York, Pogolotti fue una suerte de hombre orquesta: delineante arquitectónico, vendedor de bombas de agua y empleado de la Compañía Cubana de Electricidad, de una importadora de medias y corbatas, y una firma de corredores.
Exposición Marcelo Pogolotti: Vanguardia, Ideología y Sociedad. Foto: Claudio Pelaez Sordo.
FUENTES:

martes, 13 de febrero de 2018

Alfredo Guttero - La Anunciación

Artista argentino nacido a fines del siglo XIX no pudo ser ajeno al movimiento del Modernismo que se desarrolló hasta la primera década del siglo siguiente. Esa conjunción entre técnica y arte que se correspondió temporalmente en distintos países de Europa y en los Estados Unidos y que tuvo no obstante muchos acercamientos y puntos de contacto en relación con el estilo, -si bien sus posturas fueron divergentes-, constituyendo en su conjunto el movimiento que se ha dado en llamar Modernismo.

Anunciación

En 1932, la donación realizada por Guttero de la Anunciación al Museo, implicaba forzar su propia entrada con una obra consagrada internacionalmente, pero que, además, era la expresión de una modernidad plástica que poseía fuerte carga simbólica y contaba con un valor programático manifiesto imposible de ser ignorado.
FUENTES:

domingo, 17 de diciembre de 2017

Tarsila do Amaral - Obreros

Comprar ahora
Autor: Tarsila do Amaral 
Donde a Ver: Colección del Gobierno del Estado de Sao Paulo 
Año: 1933 
Técnica: óleo sobre lienzo 
Tamaño: 150cm x 205cm 
Movimiento: Modernismo

FUENTE:
 http://noticias.universia.com.br/destaque/noticia/2012/05/22/934979/conheca-operarios-tarsila-do-amaral.html

domingo, 5 de febrero de 2017

Pierri Orlando

Nació en Argentina en el año 1913. En el año 1934 se convierte en discípulo de Emilio Centurión y Alfredo Guido. 
Es nombrado Profesor Nacional de Dibujo de la Escuela Nacional de Arte. Tres años más tarde realiza su primer viaje de estudio por Europa.

Fundó el Grupo Orión con artistas como Presas y Forte. Fue seleccionado por André Bretón para exponer en París. En el año 1964 recibe el Gran Premio de Honor en el Salón de Bellas Artes. En 1973 recibe el Premio Palanza. Fallece en el año 1991.
Composición . aguafuerte . 39x52cm . 1957Ramo . óleo sobre hardboard . 61x45cm . 1953


Julio Vanzo. Jinetes a Caballo

Julio Vanzo “Jinetes a Caballo”, témpera sobre cartón, 120x360 cm, 1937
Julio Vanzo “Jinetes a Caballo”, témpera sobre cartón, 120x360 cm, 1937

FUENTE: http://www.zurbaran.com.ar/el-caballo/

sábado, 4 de febrero de 2017

SIGMUND JOSEPH MENKES

Pintor polaco de origen judío, nacido en 1896 en Lvov, murió en 1986 en Riverdale, Nueva York. Miembro del grupo École de Paris en los años 20 y 30. Desde principios de 1935 vivió y trabajó en los Estados Unidos; Él era un representante del movimiento Colorismo Expresionista.
cows by sigmund joseph menkesflowers in a green vase by sigmund joseph menkesyouthful (boy with doves) by sigmund joseph menkesmusical duet by sigmund joseph menkes

FUENTES: 
http://www.artnet.com/artists/sigmund-joseph-menkes/past-auction-results
http://culture.pl/en/artist/zygmunt-sigmund-menkes

viernes, 2 de diciembre de 2016

Salomé con la cabeza del Bautista - Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)


La figura protagonista de Salomé sostiene en una bandeja la cabeza de San Juan Bautista que el verdugo, todavía espada en mano, acaba de entregarle, mientras una vieja, en sustitución de su madre Herodías, contempla de forma pasiva el hecho.  San Juan Bautista, que había condenado la vida liviana de Herodes, sobre todo a raíz de su matrimonio con Herodías, murió asesinado por orden de dicha reina, que se había sentido humillada por el profeta, siendo su hija Salomé la que se hizo cargo de la entrega de la cabeza del santo. 

Importantísimo original de Caravaggio de sus últimos años de producción, su autoría ha sido aceptada sin reservas por toda la historiografía de la crítica especializada.  La fisonomía estilística de la obra encaja indudablemente con la etapa posterior a su huída de Roma, a partir de 1606. Como la obra se adquiere en Nápoles unos años después, fue  allí posiblemente donde debió realizarla, cuando su naturalismo claroscurista se va haciendo más acentuado.  Todas las figuras son de una invención extraordinaria:  la cabeza de la vieja criada en contraposición con la de Salomé viene a subrayar la oposición entre juventud y vejez, entre belleza y fealdad, mientras que el verdugo con su robusto torso medio girado de espaldas viene definido por el recorte violento de la luz.
FUENTE: 

sábado, 12 de noviembre de 2016

William Gordon Burn Murdoch

William Gordon Burn Murdoch (22 enero 1862 hasta 19 julio 1939) fue un pintor escocés, escritor de viajes y explorador. Murdoch viajó extensamente incluyendo la India y el ártico y el antártico. Se dice que él es la primera persona que ha tocado la gaita en el Antártico. Publicó varios libros de viaje, además de ser un artista consumado.Una capa en las orcadas del sur se nombra en su honor.

Diana, Balaena y Active, William "Burn" Murdoch 1893

File:Theres no place like home by William G Burn Murdoch.jpg
Theres_no_place_like_home_by_William_G_Burn_Murdoch

http://www.histarmar.com.ar/Antartida/BuquesAntarticos-Logisticos/Diana.htm

https://en.wikipedia.org/wiki/William_Gordon_Burn_Murdoch

sábado, 7 de mayo de 2016

La lección de piano - Henri-Émile-Benoit Matisse

Este cuadro constituye una verdadera síntesis de diversas técnicas utilizadas por Matisse hasta ese momento. El lavamanos que se muestra al fondo sugiere una forma femenina rodeada de un aire fantasmagórico. Es la misma imagen que aparece en el lienzo Mujer en un taburete, pintado en 1914. A su vez, la escultura que aparece en el ángulo inferior izquierdo reproduce una escultura del propio Matisse: Figura decorativa, de 1908.

























http://daniel-danielartebstracto.blogspot.com

sábado, 9 de abril de 2016

Dos niños comiendo melón y uvas

Dos niños comiendo melón y uvas
 Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de representar figuras divinas como el Niño Jesús o San Juanito o personajes absolutamente reales como estos niños que aquí observamos. Se trata de una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella apreciamos la influencia naturalista en la pintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería. Los detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia empiezan a surgir gracias a su contacto con Herrera y la pintura veneciana.
http://www.artehistoria.com/v2/obras/3855.htm